Dopo il CD Test… ecco le tracce che uso davvero per capire come suona un sistema audio
Dopo il video dedicato al famoso CD Test di Chesky Records, in molti mi hanno chiesto una cosa molto semplice:
Quali sono i brani che utilizzi davvero per capire come suona un impianto Hi-Fi?
In questo articolo condivido 30 brani che utilizzo spesso per testare un sistema audio, sia il mio sia quelli che mi capita di ascoltare durante prove, recensioni o dimostrazioni. Non si tratta di musica “audiophile” nel senso più stretto del termine. Sono semplicemente brani molto utili per capire cosa sta realmente facendo il tuo impianto. Per rendere il test più chiaro ho diviso i brani in 10 aspetti fondamentali dell’ascolto. Per ogni parametro ho scelto tre tracce particolarmente efficaci.
10 aspetti fondamentali per valutare un impianto Hi-Fi
Quando ascoltiamo un sistema audio, non dovremmo limitarci a dire “suona bene”.
Un impianto si valuta osservando diversi parametri della riproduzione.
In questo percorso analizziamo:
- Presenza e naturalezza della voce
- Equilibrio timbrico nei medi
- Coerenza tra voce e strumenti
- Micro-dettaglio
- Scena sonora
- Profondità del soundstage
- Dinamica
- Controllo e articolazione del basso
- Velocità dei transienti
- Coerenza generale del sistema
1️⃣ Presenza e naturalezza della voce
Partiamo chiaramente dell’aspetto più semplice Perché la voce la conosciamo tutti… se suona finta, lo capisci subito. Se la senti troppo nasale, troppo sottile, o con le S che pungono, significa che qualcosa nella catena non è in equilibrio. Quando invece è fatta bene, la voce è lì: al centro, con il suo corpo, con il respiro… sembra quasi che la persona sia davanti a te.
Ascoltiamo:
- 🎵 “Hallelujah” – Jeff Buckley
→ qui cercate emozione e presenza: la voce deve essere intensa ma mai stridente.- 🎵 “Just A Little Lovin’” – Shelby Lynne
→ è molto ravvicinata: se diventa brillante o metallica, c’è qualcosa che non torna.- 🎵 “A Case of You” – Diana Krall
→ ascoltate l’equilibrio tra voce e pianoforte: devono convivere senza che uno sovrasti l’altro.Se la voce vi sembra reale, presente ma non aggressiva, siete sulla strada giusta.
Se qualcosa vi infastidisce già nei primi secondi… probabilmente l’impianto vi sta raccontando qualcosa.
2️⃣ Microdinamica (i dettagli “vivi”)
Qui parliamo di quella cosa che ti fa dire: “ok, suona vero”.La microdinamica sono i piccoli movimenti del suono: il respiro, il tocco sulle corde, il decadimento della nota, il silenzio tra un colpo e l’altro.Se l’impianto è scarso, ti appiattisce tutto: senti la musica, sì… ma non senti la materia. Quando invece è buono, i micro-dettagli arrivano chiari, naturali, senza diventare taglienti.
Ascoltiamo:
- 🎵 “Keith Don’t Go (Live)” – Nils Lofgren
→ ascolta il tocco sulle corde e il pubblico sullo sfondo: tutto deve essere vivo e tridimensionale.- 🎵 “Tulipani” – Fausto Mesolella
→ qui voglio sentire il legno della chitarra, l’attacco delle corde, la naturalezza del suono acustico. Se diventa tagliente o spento, qualcosa non è in equilibrio.- 🎵 “Private Investigations” – Dire Straits
→ nei passaggi più delicati, ogni dettaglio deve emergere senza confondersi, mantenendo tensione e profondità.Se tutto sembra uniforme, l’impianto sta comprimendo la vita della registrazione.
Se invece percepisci sfumature e micro-contrasti, allora sta lavorando bene.
3️⃣ Macrodinamica (la botta, i grandi salti)
Qui il test è semplice: quando la musica passa da piano a forte… l’impianto regge o va in crisi? La macrodinamica è la capacità di crescere senza scomporsi. I picchi devono arrivare con energia, ma senza diventare confusi o aggressivi.Se quando entra il colpo forte tutto si chiude o diventa stridente, lì stai sentendo un limite, che può essere l’amplificatore, i diffusori o anche la stanza.
Ascoltiamo:
- 🎵 “Lux Aeterna” – Clint Mansell
→ attenzione ai crescendo: l’energia deve aumentare senza perdere definizione.- 🎵 “Giorgio by Moroder” – Daft Punk
→ nei cambi dinamici tra parlato e pieno orchestrale, tutto deve restare leggibile.- 🎵 “Duende” – Bozzio Levin Stevens
→ qui voglio sentire i passaggi energici mantenere separazione e controllo. Anche nei momenti più complessi, ogni strumento deve restare distinguibile.Un impianto con buona macrodinamica cresce con la musica.
Uno scarso… urla o si impasta.
4️⃣ Soundstage (larghezza della scena)
Qui parliamo di quanto la musica si apre lateralmente. Se la scena è corretta, gli strumenti non restano incollati ai diffusori. Si allargano, si staccano dalle casse e riempiono lo spazio tra di loro… e anche oltre. Se invece senti tutto concentrato in mezzo o “attaccato” ai diffusori, c’è un problema di posizionamento, fase o ambiente.
Ascoltiamo:
- 🎵 “Time” – Pink Floyd
→ gli effetti e gli strumenti devono estendersi lateralmente, con chiara separazione tra sinistra e destra.- 🎵 “Hotel California (Live)” – Eagles
→ le chitarre devono essere ben distinte sui lati, senza sovrapporsi al centro.- 🎵 “Bubbles” – Yosi Horikawa
→ i suoni devono muoversi nello spazio con precisione, occupando punti diversi tra i diffusori.Se l’impianto è regolato bene, percepisci ampiezza reale. Se è compresso, tutto resta stretto e meno coinvolgente.
5️⃣ Profondità (il famoso “3D”)
Attenzione: larghezza e profondità non sono la stessa cosa. Puoi avere una scena molto larga… ma completamente piatta. La profondità è quando senti i piani: qualcosa davanti, qualcosa più indietro, qualcosa ancora più lontano. È lì che la musica smette di sembrare una fotografia e diventa uno spazio reale. Se tutto ti sembra sullo stesso livello, è come se l’impianto ti stesse mostrando un disegno 2D della musica.
Ascoltiamo:
- 🎵 “Brothers in Arms” – Dire Straits
→ la chitarra deve fluttuare davanti, mentre il resto dell’arrangiamento si sviluppa dietro, con aria tra i piani.- 🎵 “Moments in Love” – The Art of Noise
→ qui voglio sentire stratificazione: suoni sospesi, livelli diversi nello spazio, riverberi che si allungano in profondità.- 🎵 “The Ballad of the Runaway Horse” – Jennifer Warnes
→ la voce deve essere davanti, quasi tangibile, mentre gli strumenti restano più arretrati e ben separati.Se l’impianto è corretto, percepisci distanza e tridimensionalità.
Se è compresso, tutto si schiaccia e perde respiro.
6️⃣Imaging e fuoco centrale (la voce ferma lì)
Qui il test è semplice, ma spietato: la voce sta ferma al centro… o si muove? Quando l’imaging è corretto, la voce è scolpita nello spazio: stabile, precisa, quasi “materiale”.
Non deve allargarsi, non deve vagare tra i diffusori, non deve sembrare sfocata. Se qualcosa non è a posto, simmetria, posizionamento, ambiente, qui lo senti subito.Ascoltiamo:
- 🎵“Don’t Know Why” – Norah Jones
→ la voce deve essere perfettamente centrata, morbida ma definita, con la band ben separata ai lati.- 🎵“Polvere di gesso (Solo – dal vivo)” – Gianmaria Testa
→ qui voglio sentire la voce stabile e l’ambiente della sala attorno, senza che tutto si appiattisca.- 🎵“Trouble’s What You’re In (Live)” – Fink
→ la voce deve restare scolpita al centro, mentre la chitarra si apre leggermente e l’acustica della chiesa crea profondità naturale.Se l’impianto è regolato bene, la voce resta ferma lì.
Se si allarga o perde fuoco… qualcosa nella catena o nell’ambiente non è allineato.
7️⃣ Controllo del basso (non quantità: controllo)
Quando si parla di bassi, molti pensano subito a “quanto spinge”. Ma il punto non è la quantità. È il controllo. Il basso deve partire e fermarsi quando deve.
Deve sostenere la musica, non invaderla. Se riempie tutto e copre le voci, può sembrare spettacolare… ma in realtà sta nascondendo informazioni.Ascoltiamo:
- 🎵“Royals” – Lorde
→ il basso è secco e preciso: ogni colpo deve essere fermo, senza code o rimbombi.- 🎵“Holding On” – Gregory Porter & KEM
→ qui il basso è rotondo e caldo, ma la voce deve restare sempre leggibile sopra. Se il groove diventa confuso, c’è un problema di controllo.- 🎵“I Put a Spell On You” – Chantal Chamberland
→ il basso deve essere profondo ma disciplinato, senza sporcare i medi e senza spingere troppo in avanti.Un basso corretto non domina. Sostiene. Se senti solo “boom”, l’ambiente sta comandando. Se senti ritmo e precisione, l’impianto sta lavorando bene.
8️⃣ Estensione sub-bass (quello sotto, quello vero)
Qui scendiamo sotto i 35 Hz, dove tanti impianti semplicemente non arrivano… o arrivano ma fanno solo vibrazione.Un sub-bass fatto bene non è solo pressione: è profondità controllata. Deve scendere in basso senza diventare rimbombo, senza coprire la voce, senza sporcare il resto della gamma.
Ascoltiamo:
- 🎵“Limit to Your Love” – James Blake
→ quando entra il basso, deve essere potente ma fermo. Non deve invadere il pianoforte né coprire la voce.- 🎵“Why So Serious?” – Hans Zimmer
→ nella parte più profonda voglio sentire estensione reale, non solo vibrazione indistinta.- 🎵“Liberty” – Anette Askvik
→ qui il basso è profondo ma elegante: deve sostenere la voce senza sovrastarla, restando sempre controllato.Se sentite solo tremare la stanza, probabilmente è l’ambiente che sta comandando.
Se invece percepite profondità ma con controllo, allora l’impianto sta lavorando bene.
9️⃣Velocità dei transienti (attacco, ritmo, precisione)
Qui parliamo dell’attacco della nota. Il momento esatto in cui il suono nasce. Un colpo di rullante, un pizzicato, un tasto di pianoforte: devono essere netti, precisi, senza code o sbavature. Se l’impianto è veloce, senti il colpo secco, l’energia immediata, la separazione tra un suono e l’altro. Se è lento, tutto diventa più morbido, meno definito… e il ritmo perde incisività.
Ascoltiamo:
- 🎵“Take Five” – The Dave Brubeck Quartet
→ il rullante deve essere asciutto, preciso, con attacco chiaro e decadimento naturale.- 🎵“Cantautore piccolino” – Sergio Cammariere
→ ascoltate il pianoforte: ogni nota deve essere definita, con un attacco pulito e naturale, senza diventare duro o confuso.- 🎵“Japanese Roots” – TakéDaké, John Kaizan Neptune
→ qui voglio sentire la precisione dei transienti delicati e l’aria tra una nota e l’altra.Se l’impianto è reattivo, il suono è immediato e controllato.
Se è lento, perde definizione e il ritmo diventa meno coinvolgente.
🔟 Coerenza generale (quando l’impianto sparisce)
Questo è forse l’aspetto più difficile da spiegare… ma il più facile da sentire.Un impianto può fare bene una cosa alla volta: ottimo basso, bella voce, scena ampia…
ma poi non essere coerente. Magari il basso è staccato dai medi, oppure la voce sembra incollata davanti mentre il resto resta dietro. Quando invece tutto è coerente, succede una cosa semplice: l’impianto sparisce. E tu non stai più ascoltando l’hardware… stai ascoltando la musica.Ascoltiamo:
- 🎵“Fast Car” – Tracy Chapman
→ voce, chitarra e basso devono essere perfettamente integrati, senza che uno prevalga sull’altro.- 🎵“House of the Rising Sun” – Johnny Cash
→ la voce deve restare centrale e naturale, con gli strumenti che la sostengono senza sovrastarla.- 🎵“Io che amo solo te” – Chiara Civello feat. Chico Buarque
→ qui il test è sull’equilibrio tra due timbri diversi: nessuna voce deve dominare, tutto deve restare armonico e naturale.Se una parte del suono spicca troppo o sembra scollegata, manca coerenza.
Se invece tutto si fonde in modo naturale, allora l’impianto sta facendo il suo lavoro.
La playlist completa
Tutti i 30 brani sono raccolti anche in una playlist pubblica su Tidal, così potete utilizzare questo percorso di ascolto per testare il vostro impianto. Link alla Playlist: clicca qui
Provate ad ascoltarli nel vostro ambiente, con il vostro sistema, e fate caso a come cambiano le sensazioni passando da un impianto all’altro.
Conclusioni
Testare un impianto Hi-Fi non significa cercare solo la spettacolarità o il dettaglio estremo. Significa capire se la musica riesce a risultare:
- naturale
- coerente
- coinvolgente
Alla fine, l’obiettivo rimane sempre lo stesso: avvicinarsi il più possibile all’esperienza della musica reale.
Se volete vedere anche il video completo di questo percorso di ascolto, lo trovate sul canale Lo Scaccianoce.
🎵 E come dico sempre… che la musica sia sempre con voi.